Blues, rock y el diablo

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“Música, qué arte tan espléndido; Qué profesión más trágica”. – Georges Bizet

 

En muchos casos, existe una relación directamente proporcional entre la belleza de la mejor música de nuestro tiempo y la tragedia y el dolor que sufren sus compositores. El rock siempre ha sido considerado la música del diablo y esto, para muchas personas, resulta algo inquietante. Teniendo esto en cuenta, pensé que podría ser interesante hablar sobre la trayectoria del rock, a partir del blues, señalando algunos acontecimientos notables y así, tal vez, ilustrar un poco cómo este legado maligno se perpetúa en el rock. De hecho, a lo largo de nuestra historia, científicos y artistas brillantes, en un momento u otro, han sido llevados al fuego o a la ruina, en la mayoría de los casos por miedo, ignorancia y pura envidia.

Todas las historias de demonios contadas por el hombre provienen básicamente de esas limitaciones humanas y de la necesidad de sembrar miedo para mantener el orden impuesto. Esto es lo que vemos a lo largo de la historia. Aún así, será necesario revelar aquí algunas historias y creencias que se han vuelto extremadamente populares, relacionadas con pactos con el mal. Si encuentra estos temas ofensivos, le recomiendo no continuar.

 

Nicolás Paganini

“Lo que engaña también crea encantamiento mágico” – Platón (427-348 a. C.)

Para los que quedan, comenzamos con un ejemplo ajeno a la música negra, el italiano Niccolò Paganini, nacido en Génova en 1782, hace poco más de 200 años, violinista en una época en la que, en la música, sólo se respetaba verdaderamente a los cantantes de ópera. halagada. Sin embargo, tenía más carisma y llamaba más la atención que las mayores estrellas de su época, los tenores. Cuando era niño, el sarampión lo atacó tan gravemente que casi lo enterraron pensando que estaba muerto. Debido a esta enfermedad, su cuerpo siempre sería delgado y su rostro esquelético. Su padre, Antônio Paganini, soñando con fortuna a costa de su niño prodigio, lo crió severamente, castigándolo cruelmente por cada error que cometiera en sus ejercicios. A los ocho años ya daba recitales y componía música de considerable complejidad para su edad. A los trece años fue reconocido como un niño prodigio en Génova. A los quince años realizó una gira por su país, realizando memorables apariciones en Milán, Bolonia, Florencia, Pisa y Livorno. En 1798, a la edad de dieciséis años, había ahorrado suficiente dinero para escapar de la tiranía de su padre.

Como músico innovó y desafió a los mediocres, como un verdadero rebelde. Innovó utilizando armónicos, además de recuperar el olvidado arte de scordatura, es decir, afinaciones variadas, utilizadas por primera vez en el violín. Se podría decir que Paganini fue el Jimi Hendrix del violín, doscientos años antes, emitiendo sonidos inimaginables hasta entonces con ese instrumento. ¿Quiere saber más? Llevaba pantalones ajustados y cabello muy largo; Dejó a las mujeres desmayadas, locas de lujuria y a los hombres locos de envidia. Pero, sobre todo, Paganini tocaba su instrumento con una concepción que estaba a años luz de la de sus contemporáneos. Sin embargo, su éxito estuvo marcado por incesantes rumores sobre su supuesto pacto con el diablo. Su rostro delgado y cadavérico daba fuerza a esa suposición. Paganini, que siempre tocaba en teatros con entradas agotadas, fue el músico más rico de su tiempo. Su riqueza y fama eran tan grandes que cualquier campesino sabía a ciencia cierta que el hombre tenía un pacto con el diablo. ¿Qué otra explicación podría tener para ser mucho mejor y tener tanto más éxito que los demás?

La prensa de la época lo retrató como un hombre cruel, morboso, egoísta, codicioso y un jugador compulsivo. De hecho, perdió su violín pagando una deuda de juego. Otro violín que le regaló un amigo casi se perdió en las mesas de juego, antes de que se diera cuenta y prometiera nunca volver a acercarse a una mesa de juego. Según la creencia popular, se unió a una pandilla y mató a varios maridos de las mujeres con las que mantenía aventuras. La gente juraba haber visto a Satanás guiando su mano, sosteniendo el arco debajo de las cuerdas del violín durante sus actuaciones. Otros dirían que vieron a asistentes del diablo salir del teatro donde acababa de actuar Paganini, viajando en un carro, por una carretera que ni siquiera existía. Incluso los admiradores de su música se persignaban si Paganini las tocaba. Hubo ocasiones en las que se vio obligado a publicar cartas de su madre para demostrar que había nacido con normalidad como cualquier mortal.

En 1836 abrió un casino en París que acabó quebrando. Su disgusto por la pérdida de su fortuna provocó daños irreparables a su salud. Se trasladó a Marsella y luego a Niza para recuperarse. Comenzó a practicar la guitarra durante este período. Aún así reapareció tocando magistralmente bien el violín, aunque todavía enfermo. Cuando murió el 27 de mayo de 1840 en Niza, la iglesia católica se negó a enterrarlo y los campesinos temieron su cuerpo. No fue enterrado hasta 1843, cuando el cuerpo fue devuelto a Italia, gracias a las repetidas peticiones de su hijo para que Roma intercediera en el caso a favor del maestro.

Robert Johnson

“Todos venimos de un esclavo, cantando en el campo, en algún lugar” – Lenny Kravitz (1995)

Poco más de un siglo después, a pesar de no haber sido nunca rico y de tener sólo fama regional durante su vida, Robert Johnson ofrece cierta similitud con la historia de Paganini y quienes lo criticaron. Nacido en 1911, negro y descendiente de esclavos, se crió en una granja de algodón. Así, trabajando en el campo desde pequeño, tuvo poca instrucción, aprendiendo a tocar su primer instrumento, la armónica, en solitario. Cuando empezó a ser mayor de edad se escapó de casa para aprender a tocar la guitarra con Son House. Pronto empezó a tocar junto a los músicos que más le influyeron, Charlie Patton y Willie Brown, además del propio Son House. Juntos perpetuaron lo que comúnmente se llama country blues; blues rural o blues del delta, tal como provenían de la región del delta del Mississippi.

Cuando tenía veintitantos años, Johnson descubrió cómo hacer llorar su guitarra usando el cuello de una botella rota y deslizándolo por las cuerdas. Ya actuando en solitario, fue autor de una serie de composiciones que retrataban diversas amarguras de la vida, desde el rechazo carnal hasta el malestar espiritual. Sus letras hablan de amores violentos, como en “Ramblin' On My Mind” y de amores perdidos, como en “Love In Vain”. Con cierto sentido de sutileza, habla de sexo en letras como “Traveling Blues”, donde utiliza analogías como “Exprime mi limón hasta que mi jugo corra por mi pierna”.”) frase más recordada hoy en la voz de Robert Plant cuando pertenecía a Led Zeppelin. Johnson también habló de persecución y desesperación en canciones como “Me And The Devil” y “Hellbound Trail”. Estas letras ayudaron a unir la leyenda de un pacto entre el diablo y el bluesman, que aún hoy se recuerda.

Se dice que Robert Johnson esperaba en un cruce de caminos, con su guitarra en mano, una noche de luna nueva. Cuando era medianoche, apareció el diablo en forma de hombre para afinar el instrumento. A partir de entonces, todo el que escucha su música queda encantado con ella. De hecho Robert Johnson tocaba una guitarra excelente y muy probablemente sea la envidia, el origen de las leyendas que aparecieron. Su genio y don natural son mucho más cautivadores, en comparación con otros músicos de su tiempo, que una vez más recuerdan el desafortunado destino de Paganini. Johnson solía tocar casi de espaldas a su público. Entonces se decía que lo hacía para ocultar la mirada del diablo que aparecía para ayudarlo. Sería más coherente suponer que le preocupaba ocultar los acordes que se le ocurrían solo y no quería que otros músicos del público le copiaran.

Alrededor de 1935, deambuló entre ciudades de estados desde Tennessee hasta Arkansas. Realizó una serie de grabaciones en 1936, que circularon por todo el sur y eventualmente serían escuchadas en el norte del país. Terminarían editándose en dos álbumes, años después del fallecimiento del artista. En 1937, Alex Miller (Sonny Boy Williamson, el segundo) tocaría con él en ocasiones esporádicas, así como Elmore James y Howlin' Wolf, pero en general Johnson actuaba solo.

Murió, se cree, el 16 de agosto de 1938. Como toda buena leyenda, existen varios rumores para explicar su muerte, pero en general tendemos a creer que un marido celoso puso veneno en su botella de bebida. Johnson era famoso por su atracción por las mujeres, así como por atraer a las llamadas "mujeres equivocadas". Murió tres días después de ser envenenado, sufriendo horribles dolores de estómago durante ese tiempo. Esto explicaría en parte las historias que cuentan de él antes de morir, caminando a cuatro patas y aullando como un perro, animal muchas veces asociado con el diablo.

Los caminos del delta

“Dios nos da carne y el diablo cocina” – Thomas Deloney (1543-1600)

En otoño de 1938, John Hammond, un productor de Nueva York, escuchó la canción “Terraplane Blues”, compuesta y grabada por Johnson, y quedó muy impresionado. Hammond puede considerarse un investigador de la música negra, algo poco común en esta época. Utilizó los resultados de su investigación para una de sus producciones, llamada “From Spirituals To Swing”. Reservó el Carnegie Hall y es responsable de intentar presentar la música negra al público blanco intelectualizado, con estatus de cultura legítima, por primera vez en Estados Unidos. Su intención era encontrar a Robert Johnson y que actuara en el Carnegie Hall, pero pronto descubrió que Johnson ya estaba muerto. Hammond luego presentó a Big Bill Broonzy para el espectáculo.

Big Bill Broonzy es, para muchos, la persona que mejor tradujo el estilo del blues rural al blues urbano, el llamado blues de Chicago. Pero primero tenemos que hablar de Robert Lockwood. Conocido como Robert Lockwood Jr., este niño se ganó el nombre de “junior” en su nombre porque fue el único músico que tomó lecciones de Robert Johnson, su padrastro. Dos años después de la muerte de Johnson, Lockwood exhibió muchas de las características musicales de su padrastro.

En 1941, mientras se asociaba con Alex Miller, entonces conocido como Sonny Boy Williamson (2), Lockwood dejó su guitarra acústica a un lado y comenzó a tocar la guitarra eléctrica. Entre 1943 y 44 el dúo comenzó a tocar regularmente en el programa de radio Mother's Best Flour Show, en la estación KFFA, en Helena, Arkansas. Este hecho fue sumamente significativo en la historia del blues, ya que brindó la oportunidad a muchos músicos de blues de todo el Sur de escuchar el sonido de una guitarra eléctrica por primera vez. Pronto, gente como Elmore James, Howlin' Wolf, John Lee Hooker, Muddy Waters y BB King, entre muchos otros, llevaban guitarras eléctricas.

De esta manera, el legado de Robert Johnson viaja rápidamente, remontando el río Mississippi y llegando a Chicago. Menos de una década después del fallecimiento de Johnson, el blues se había vuelto eléctrico, cada vez más sonoro, ganando peso y swing. En los años cuarenta, Jerry Wexler, un judío de Nueva York que escribía para Billboard, creó el nombre Rhythm & Blues para esta música swing, con raíces en el blues. Su intención es hacer que el término en boga, “récords de carrera”, caiga en desuso por su connotación racista; traducido sería “récords de la raza (negra)”. Wexler durante los años cincuenta y setenta se convertiría en un reconocido productor y grabaría a varios artistas negros como Big Joe Turner, Champion Jack Dupree, T-Bone Walker, Ray Charles, Wilson Pickett y Solomon Burke.

Pasan otros diez años y en 1955 aparecen Elvis Presley y Chuck Berry, ambos siendo censurados en la región de América conocida como “El Cinturón de la Biblia”. Sus logros son conocidos por cualquier rockero que se precie. Chuck por crear los primeros y más importantes riffs del rock 'n' roll; y Elvis, al cantar y bailar lascivamente, hace que esta música sea interesante y permisible entre los blancos. Como diría Elvis en 1956: “Los negros llevan tocando este tipo de música desde hace más tiempo del que puedo contar. A nadie más le importaba esta canción hasta que comencé a tocarla”.

Aumentar Esto es rock 'n' roll

“Loco es el hombre que, incapaz de crear una lombriz, crea dioses por docenas” – Montaigne (1553-1592)

De hecho, las familias blancas se alborotaron cuando vieron a sus hijos (e hijas) involucrarse con la música interpretada por negros. La música negra es entonces considerada música tribal, por tanto pagana y diabólica. La fe es un poder tan impresionante como embriagador. Los pastores comienzan a promocionarse en sus comunidades, hablando de los males de la música negra para el alma, complaciendo en el proceso a padres igualmente prejuiciosos. Sin embargo, el texto, supuestamente pronunciado en nombre de Cristo, sólo deja palabras de intolerancia, odio y discriminación. A pesar de las variaciones, el denominador común de estos sermones es amenazar a sus fieles con la figura del Diablo para mantener un código de conducta preestablecido por la comunidad dominante, manteniendo así el patrocinio de la iglesia por parte de esta comunidad. Una pena, ya que cuanto más se habla de Satanás, más se plantea su obra.

Entre otras limitaciones humanas que explican el revuelo creado en relación con la música negra adoptada por los hijos de la sociedad blanca estadounidense se encuentran el egocentrismo, el racismo, la ignorancia, el miedo y la envidia. El disc jockey de Cleveland Alan Freed, al sentir la insatisfacción de la sociedad en general, al ver a sus hijos e hijas bailando y cantando música negra, intenta aliviar la presión inventando un nombre alternativo. Así, los hijos e hijas blancos “dejarían” de escuchar música negra y comenzarían a escuchar un “NUEVO” tipo de música. Esta es en parte la situación detrás de la idea de cambiar el nombre de la música que todavía se conoce como Rhythm & Blues. Así nació el nombre Rock 'n' Roll, que no es más que un Rhythm & Blues un poco más acelerado, o si se prefiere, en up-tempo, interpretado por gente blanca. Cuando los negros lo tocan, vuelve a llamarse Rhythm & Blues.

La ola duró unos años pero, con el sistema descontento de que el rock fuera sinónimo de rebelión, acabó cerrando el llamado “asedio social” entre 1958 y 1959, estrangulando al rock y a muchos de sus creadores. Primero vino el escándalo de la payola, que tenía que ver con la ilegalidad de los pagos no oficiales entre compañías discográficas y DJ (nuestro popular y extendido jabaculê – jabá).

El resultado obligó a Alan Freed a abandonar la radio, aunque inicialmente se recuperó con un programa semanal de televisión en directo. Desafortunadamente, el programa sólo duró una tarde. Durante la actuación de Frankie Lymon & the Teenagers, una chica blanca saltó al escenario y bailó con Frankie, un chico negro que entonces tenía 15 años, y el espectáculo fue retirado del aire. A Alan Freed, cuya popularidad entre 1955 y 1956 fue igual o mayor que la de Elvis Presley, le revocaron la licencia y se vio obligado a retirarse forzosamente. Todavía lo acusarían de ser comunista.

Elvis fue llamado al ejército y cuando regresó en 1960, dio una actuación y luego dejó de tocar en vivo para dedicarse a su carrera como artista cinematográfico. Acabó convirtiéndose en la antítesis del rebelde en una serie de películas almibaradas. Chuck Berry tendría serios problemas legales, Jerry Lee Lewis vio su carrera terminada por la opinión pública cuando descubrieron que se había casado con su prima de 14 años. Sumándose a estos hechos, en febrero de 1959, Buddy Holly, Ritchie Valenz y The Big Bopper murieron en un accidente aéreo. El accidente sirvió como golpe final a una roca que se iba desvaneciendo hacia una muerte lenta y aparentemente segura. Finalmente, Little Richard, cuando su avión se estrella, decide dejar su vida de artista para estudiar teología y convertirse en pastor, regresando al circuito recién en 1962.

Las estaciones de radio están inundadas de canciones pop suaves que la industria estaba orientada a ofrecer. Personas como Ricky Nelson, Pat Boone, Frankie Avalon, James Darren, Paul Anka, Fabian y muchos, muchos otros. Incluso el cine, que anteriormente presentaba películas que asociaban el rock con la rebelión como “Blackboard Jungle” y “Rock, Rock, Rock”, ahora ofrece una mezcla de romance y comedia, con la serie “Turma da Praia”.

La otra moda fueron los nuevos bailes que a menudo surgían como una forma de “terapia ocupacional”. Son Twist, Puré de patatas, Monkey Stomp, Bristol Stomp, Watosee, Dog, Swim, Frug, Hully Gully y muchos otros. Básicamente, el rock en Estados Unidos se volvió más dulce y perdió su rebeldía. Sólo la música surf de la época, procedente de la costa oeste, ofrecía una chispa de auténtico espíritu juvenil. Pero mientras tanto, en Inglaterra, los acontecimientos sacuden el circuito.

Londres está fertilizada

"Los Blues tuvieron un hijo y lo llamaron rock 'n' roll". – Aguas fangosas (1977)

En 1958 tuvo lugar un hecho que ayudaría a cambiar el destino del blues y el rock en los años 60. Muddy Waters se fue a Inglaterra. Mientras los ingleses esperaban ver auténtica música rural, imaginándose encontrar a este bluesman sentado en un taburete con una guitarra, se encontraron con una banda tocando instrumentos eléctricos y a este hombre rugiendo blues por todos los poros, a un volumen sin precedentes. El shock fue inmenso y sus efectos devastadores. Entre el público de este espectáculo se encontraban, entre otros, Alexis Korner y Cyril Davies.

Al año siguiente, el inglés Chris Barber, que estaba de gira por Estados Unidos con su Jazz Band, quedó impresionado por el blues que escuchó en Chicago. Poco a poco, Barber comenzó a traer ocasionalmente algunos músicos de blues a Inglaterra. En 1962 trajo a Sonny Boy Williamson (2). En esta ocasión, el que estaba entre el público era el joven Brian Jones. Este fue el espectáculo que hizo que Jones dejara el jazz a un lado y empezara a estudiar el blues. En 1961, Alexis Korner y Cyril Davies fundaron The Blues Incorporated, posiblemente la primera banda blanca de blues inglesa que se precie. Entre 1962 y 1964 esta banda contaría, entre otros miembros, con Charlie Watts, Jack Bruce, Brian Jones, Paul Jones, Mick Jagger, Art Wood, Graham Bond, John Baldry, Hughie Flint y Ginger Baker. Blues Incorporated sería el embrión de bandas como The Rolling Stones y Cream, además de aportar varios músicos para distintas formaciones de los Bluesbreakers de John Mayal.

Los Rolling Stones, una banda de chicos que tocaban únicamente blues y Rhythm & Blues, se instalaron en el club The Crawdaddy y acabaron convirtiéndose en los responsables directos de popularizar el blues entre toda una nueva generación de amantes del género entre los ingleses. Los primeros resultados de esta influencia son el nacimiento de las bandas The Yardbirds formada por un grupo de chicos que frecuentaban Crawdaddy y The Pretty Things formada por un ex miembro de los Rollin' Stones, Dick Taylor. Por lo tanto, es justo concluir que sin los Stones para llevar el Rhythm & Blues a la radio, a tantos jóvenes les habría tomado mucho más tiempo conocer los nombres de personas como Elmore James, Muddy Waters, Bo Diddley y Jimmy Reed. en Inglaterra.

Cuando los Beatles llegaron a América en 1964 y terminaron abriendo mercado a las bandas inglesas en ese país, su música era el rock de negros como Chuck Berry, Little Richard y el alma de Smokey Robinson. Los Beatles revitalizaron así el rock americano, recuperando el espíritu rebelde con el pelo largo y las respuestas rápidas a preguntas absurdas. Al mismo tiempo, dentro de Estados Unidos, en el Village de Nueva York, un chico de campo llamado Bob Dylan estaba transformando el género folk pacífico en un estilo vinculado a la política y la protesta. Sumando esto a la revitalización del rock provocada por los Beatles, nacería el folk rock, popularizado por bandas como The Byrds, Lovin' Spoonful y el dúo Simon & Garfunkel. En poco más de dos años se crearía el fuzuê que ahora se recuerda como el movimiento hippie. Después de los Beatles, llegó a América toda una tropa de bandas inglesas. Entre ellos, The Rolling Stones y The Animals.

El blues y los años sesenta

“El blues es una silla, no un dibujo de una silla. Es una silla para sentarse, no para crear un ambiente”. –John Lennon (1970)

Al cabo de dos o tres años, los jóvenes blancos de Estados Unidos escuchaban con acento inglés el blues de sus negros nativos, que siempre habían ignorado. Para ilustrar lo baja que estaba la marea para los negros que cantaban blues, cuando los Rolling Stones fueron a grabar a Chicago, a los Chess Studios en junio de 1964, el mismo estudio donde grababan sus ídolos, Muddy Waters estaba allí ganando algo de dinero intercambiado por pintando el techo del lugar y ayudando a instalar el equipo de los artistas que llegaron. Nunca se ganó dinero decente con el blues, ya que hasta entonces esta música negra era tratada como una subcultura. Todos estos músicos de blues mencionados aquí, y todos los demás que quizás recuerdes, eran populares entonces sólo entre las comunidades negras. Y esta comunidad no tenía la independencia económica de la que disfruta hoy. Martin Luther King todavía estaba vivo y el movimiento Pantera Negra aún no se había organizado. La segregación era muy fuerte en Estados Unidos y sólo pasó a ser ilegal en julio de 1964.

Así que la gran comunidad blanca prácticamente desconocía a todos estos artistas. Las excepciones serían los músicos de jazz. El hombre blanco de los años treinta aceptaba el jazz de los negros pero prefería su versión de ese jazz; la gran banda. Fuera del jazz, los negros que alcanzaron cierta respetabilidad en el mundo de la música fueron Nat King Cole, el primer negro en tener su propio programa de televisión, Ray Charles y James Brown. Aunque estos eran los principales atractivos, se vieron obligados a aceptar humillaciones como no poder usar la puerta de entrada o incluso el baño normal de la casa, sólo el baño trasero. Con los cambios sociales y la repentina apreciación del blues, gracias a su popularización por parte de artistas ingleses, en poco tiempo todos estos bluesmen empezaron a hacerse famosos y respetados. Entonces, en 1965, Muddy Waters actuaba en Montreux, Howlin' Wolf estaba de gira por Inglaterra y Bo Diddley viajaba a Australia con regularidad.

Con la determinación de los jóvenes de crear un nuevo estándar de estética y valores diferentes a los de sus padres, las familias tradicionales, pertenecientes al poder dominante, se sintieron amenazadas por declaraciones diferentes de los nuevos ricos, este nuevo grupo social, los estrellas de rock. Entre ellos, Mick Jagger es llamado “la voz de su generación”. Con la reputación de los Rolling Stones de romper las reglas establecidas y seguir ganando batallas legales que intentan encarcelarlos, Mick Jagger y Keith Richard son acusados ​​de asociarse con Satán a cambio de control sobre las masas y éxito mundial. La situación empeora cuando lanzan una canción titulada “Sympathy For The Devil”. A partir de esta canción, las historias de las relaciones satánicas de la banda se consideran oficialmente confirmadas. Así que es natural que, cuando Brian Jones murió en julio de 1969, hubo quienes sugirieron que Mick Jagger lo había matado mediante magia negra, para tomar definitivamente el liderazgo de la banda.

Las muertes ocurridas en el festival de Altmont y las connotaciones demoníacas que surgieron después, en relación con una actuación de los Rolling Stones, que en realidad fue un regalo gratuito, un regalo de los Stones a la ciudad, sólo sirven para fertilizar la imaginación. de la nueva generación de impresionables chicos preadolescentes atraídos por la combinación del heavy rock y el ocultismo. Es la era de bandas como Iron Butterfly, Vanilla Fudge, Led Zeppelin, Blind Faith, Moby Grape, Deep Purple y Black Sabbath. Los Stones siguen provocando, escribiendo canciones como “Midnight Rambler”, que habla de un asesino en serie; “Street Fighting Man”, canción que acabó siendo censurada en la radio, porque el sistema temía provocar rebeliones entre los jóvenes y la policía, y “Dancing With Mr. D.”, esta última, formando parte de un disco con el provocativo título de "Sopa de cabeza de cabra". Mick Jagger seduce a su generación, así como a los medios, y acaba siendo comparado por algunos con Fausto.

johann fausto

“Inteligente fue el hombre que inventó a Dios” – Platón (427-348 a. C.)

Es difícil saber si realmente existió o si todo es ficción para una obra de teatro, tan morbosa como creativa. El rock coqueteó con su leyenda en el musical de 1974, “El fantasma del paraíso”, película de Brian de Palma con música compuesta por Paul Williams. Pero ¿quién es realmente Fausto?

Fausto, dependiendo de quién cuente la historia, es o un trabajador del diablo u otro egocéntrico perdido y engañado por sí mismo. La primera referencia encontrada sobre Johann Fausto data de 1507 en Alemania, pero se escribió una recopilación de las diversas historias ya existentes sobre él, convirtiéndose en su primera biografía. El libro, “La historia de la vida maldita y la muerte merecida del Dr. Johnn Faust”, fue escrito originalmente en alemán en 1587 y luego traducido al inglés en 1592, cuando el descubrimiento del Nuevo Mundo cumplió sus primeros cien años.

Nacido en Alemania en Knittlinger, Wurttemberg, Georg Faust, más tarde conocido como Johannes o Johann Faust o Faustus, probablemente vivió entre 1480 y 1546. Estudió en Heidelberg y se graduó alrededor de 1509. Desilusionado con el razonamiento estéril de su época, se fue a Polonia. estudiar ciencias naturales, materia más conocida en la época como magia. Asistió a la Universidad de Erfurt, pero era mal visto y temido. Recordando que en el período de la historia en que vivió, cualquier científico innovador, con opiniones diferentes a lo establecido como verdad, corría el grave peligro de ser tildado de brujo y temido.

En el caso del Dr. Johann Faust, el camino que tomó fue el de un estudiante de magia (ciencias naturales) que aplica sus conocimientos a la medicina. Ya un brillante alquimista, sus conocimientos superiores le llevaron a ser expulsado de la ciudad de Ingolstadt en 1528 y a negarle la entrada a la ciudad de Nurembery en 1532. Aunque hay quienes lo consideran un charlatán, este contemporáneo de Nostradamus fue tomado en serio y temido. por intelectuales de nuestra historia como Martín Lutero y Philipp Melanchthon.

Cuenta la leyenda que, siendo aún aprendiz, en su frustración, arrojó sus libros al fuego y llamó a Mefistófeles para que lo ayudara. Vendió su alma a Belcebú a cambio de sabiduría y poderes mágicos, y designó a Mefistófeles como su sirviente durante veinticuatro años. Ganó compañía, poder y rejuvenecimiento. Entre otras leyendas, fue a Roma y, siendo invisible, le gastó bromas al Papa, voló por los aires sobre barriles de vino y tuvo poder sobre los muertos, haciendo reaparecer en carne y hueso a Alejandro Magno y Helena de Troya.

Dotado del poder de la seducción, acabó descubriendo que su salvación no estaba en un poder sobrenatural ni en los servicios de Mefistófeles sino en el amor que sentía por Margareth, también llamada Gretchen. Encontró el amor pero no la paz ni la felicidad. Fausto acaba quemado vivo en una hoguera mientras su amada huye con el hijo del matrimonio, al borde de la muerte, en el frío del invierno.

Si seis fueran nueve

"Toda verdad es una verdad a medias". –Alfred North Whitehead (1861-1947)

Si quieres buscar el mal, es probable que lo encuentres. Por ejemplo, Jimi Hendrix, Janis Joplin, así como Brian Jones y Jim Morrison, murieron a la edad de 27 años, la misma edad que Robert Johnson. Hay quienes intentan convencer a los demás de que en esto no hay coincidencias. Al igual que Johnson, no sólo eran buenos, eran los mejores, y cada uno estaba en su mejor momento cuando murió. Afirman que el número 27 cuando se suma, 2+7, da como resultado el número 9, y que este es el número máximo. Después de las nueve, vuelve a cero. Es una perspectiva curiosa, pero ciertamente, lo que realmente tienen en común estas personas, además del talento musical, es en algunos casos la inseguridad psíquica para afrontar las exigencias de estrellato que exigen sus profesiones y, en la mayoría de los casos, la costumbre de no serlo más. Tenga cuidado con lo que ingieren y en qué cantidades.

Aleister Crowley

"No sabemos ni una millonésima de porcentaje de nada". – Thomas Edison (1847-1931)

Dentro del mundo del rock 'n' roll, una persona se hizo bastante popular con sus historias sobre magia negra. Su nombre es Kenneth Anger y dijo ser discípulo de Aleister Crowley. Anger es quien presentó las historias y los hechos de Crowley a los nuevos ricos de los años sesenta. Entre ellos se encuentran Jimmy Page, Mick Jagger, Marianne Faithfull, Keith Richard, Anita Pallenberg, John Lennon, Graham Bond y varios otros.

La vida aventurera y la leyenda que la rodea, vivida por Crowley, es material de una gran película B de Hollywood. Aleister Crowley, nacido en Inglaterra en 1875, fue un erudito ocultista. Se entiende por ocultismo toda ciencia que el sistema impuesto no permite estudiar “al aire libre”. A los veinticuatro años era discípulo de la Orden de la Aurora Dorada. William Butler Yeats le impidió progresar en la secta y acabó viajando a México con la intención de aprender a hacer desaparecer su imagen, reflejada en el espejo. En una época en la que la magia era condenada por la iglesia por ser un arte poderoso, sobreviviente de la era precristiana, Crowley partió de la premisa de que la verdadera magia estaba en la propia voluntad del hombre, alcanzable en estados de metaconciencia.

Crowley, un excelente alpinista, escaló varias veces el Himalaya y escribió sin cesar, deseando ser reconocido como un escritor valioso. Sin embargo, sus libros eran generalmente considerados pornográficos o demenciales. Al vivir en Italia, consideraba que la moral tradicional era inútil. Consumía grandes cantidades de hachís, opio, cocaína, morfina y, hacia el final de su vida, heroína. Convivió abiertamente con varias mujeres, mientras profundizaba sus estudios sobre la “magia sexual” (sex magick). La teoría analiza el poder oculto que existe durante el orgasmo y que el estudio para alcanzar un estado de éxtasis continuo puede usarse como un atajo para lograr técnicas mágicas aprendidas en su antigua Orden. Acabó expulsado de Sicilia, regresando a Londres.

Luego se mudó a Escocia, donde compró la Casa Boleskine, una antigua iglesia que se incendió y mató a todos los fieles en el incendio. Crowley pasó a estudiar la magia de Abra-Melin, donde intenta evocar al demonio Thoth. Fue durante este período que intentó arrebatar el liderazgo de la Orden de la Aurora Dorada a su entonces líder Samuel Mathers. Supuestamente envió a un vampiro para acabar con su vida. Pero Crowley, que ya era un poderoso mago, sedujo al vampiro y la derrotó. Mathers luego, mediante magia, mató a la jauría de perros que pertenecía a Crowley y rodeó su castillo. Luego hechizó a uno de los sirvientes del castillo para que intentara matar a la esposa de Crowley. El vasallo también fue derrotado y como represalia, Crowley habría convocado a Beelzebub y a cuarenta de sus ayudantes para ir a París, donde vivía Mathers, y poner fin a la lucha de poder entre ambos. Poco después murió Mather.

Durante la Primera Guerra Mundial, Crowley residió en Estados Unidos. En 1916 alcanzó el rango más alto de la secta, Magus, y murió en Brighton en 1947, adicto a la heroína. Durante su funeral, sus discípulos cantaron el “Himno a Pan” ante el disgusto de muchos presentes.

Kenneth Anger también se hacía llamar Mago y según algunos informes, demostró un gran control sobre ciertos poderes. Su sueño era hacer una película sobre Satanás llamada "Lucifer Rising" y contrató al ex guitarrista de Love, Bobby Beausoleil, para interpretar el papel de Lucifer en la película. Después de meses de rodaje, Beausoleil aparentemente enloqueció y asesinó cruelmente a una persona, siendo arrestado, juzgado y condenado a cadena perpetua. Más tarde se descubrieron vínculos entre Beausoleil y la familia Manson. Luego, Kenneth invitó a Mick Jagger a reemplazar a Beausoleil en el papel de Lucifer, pero él rechazó cortésmente la invitación. Jagger, sin embargo, trabajó en la banda sonora de la película y su hermano Chris Jagger y Marianne Faithfull actuaron en algunas escenas. Anger era un perfeccionista y no le gustaba nada de lo que se hacía y la película nunca se terminó.

Historias finales

"Si voy al infierno, voy a tocar el piano". -Jerry Lee Lewis

Jimmy Page, admirado por la presentación de Anger, hizo sus propios estudios y finalmente terminó comprando y estableciendo su residencia en Boleskine House, donde Crowley había vivido cuando estaba en Escocia, en el borde del lago Ness. Este hecho también ayudó a establecer la reputación de Page como un adorador del diablo y un alma condenada. Led Zeppelin también sufre la tesis del pacto al principio, para explicar su éxito y su repentina riqueza. Según comentarios de la época, tres de los cuatro integrantes cambiaron sus almas por fortuna y éxito. Sólo uno se negó a aceptar el acuerdo y es el único dentro de la banda que supuestamente adolece de falta de carisma. Las historias que circulan sobre los hábitos sexuales de la banda durante las giras, realizadas en sus hoteles con groupies, son las más absurdas que se conocen dentro del rock. En lugar de entender los acontecimientos como parte de la rutina de chicos pobres repentinamente ricos, llenos de carisma, poder financiero, salud y energía sexual para desperdiciar, la gente habla de estos actos sexuales poco ortodoxos como parte de un culto a Satán.

La Allman Brothers Band también tiene historias de magia negra en su apogeo para explicar su éxito. Hechos extraños dan credibilidad a nociones diabólicas y pactos nefastos. Apasionados por la música de Robert Johnson, la banda tenía la costumbre de reunirse en el cementerio para tocar y componer, como supuestamente hacía Johnson. Varios de sus futuros éxitos fueron escritos en el cementerio Rose Hill.

El 29 de octubre de 1970, Duane Allman, en una reunión, sufrió una sobredosis y no pudo despertar. La banda se desespera cuando las yemas de sus dedos comienzan a ponerse azules. Lo llevan al hospital y luego de ser diagnosticado, el médico habla con los niños y les informa que el estado es crítico y que hay pocas esperanzas. Barry Oakly rompe a llorar, se arrodilla y reza entre lágrimas pidiéndole a Dios que le dé a Duane al menos un año más de vida. Milagrosamente, el médico regresa poco después de decir que la recuperación de Duane es asombrosa y que estará bien. Exactamente 365 días después, Duane Allman muere en un accidente de motocicleta, atropellado por un camión.

Un año y trece días después, el 11 de noviembre de 1972, a pocos metros de donde había muerto Duane, en una carretera secundaria, Barry Oakley también fallecía en un accidente con un camión. ¿Quieres otra coincidencia? Duane, Barry y los dos camioneros que también murieron en los accidentes tenían todos 24 años. Hoy, Duane Allman y Barry Oakley descansan uno al lado del otro en el cementerio de Rose Hill, el mismo lugar donde escribieron muchas de sus canciones más famosas.

epílogo

"Nada decepciona más que el éxito". -Gerald Nachman

Dado que insiste en asociar historias de acciones demoníacas con el rock, el género comenzó a llevar a los escenarios estas historias de conflictos entre espíritus buenos y malos, muchas veces como una advertencia, pero en la mayoría de los casos como una sátira o simplemente un espectáculo escénico. Un ejemplo sería Black Sabbath, que surgidos de una ciudad industrial, Birmingham, no eran tan optimistas como intentaban sembrar la psicodelia y el Flower Power. Luego se habla de los males que enfrenta el hombre en alegorías espíritas. La falta de miedo a decir lo que se piensa ha llegado a tal punto que el rock ahora juega con, satiriza e incluso imita a las llamadas sectas negras. Alice Cooper siguió un camino paralelo que empezó siendo semiandrógino pero acabó en el teatro de los horrores. Surgen bandas directamente vinculadas a estos conceptos y que van desde Kiss hasta Marylin Manson.

La música libera al hombre, elevando su estado de ánimo. Con la música, el hombre puede superar sus miedos. Cuando esto desagrada a quienes necesitan del miedo para progresar, el músico acaba siendo etiquetado como brujo o su equivalente más moderno. Destruir la credibilidad de quienes crean ha sido siempre uno de los instrumentos más eficaces de la mentalidad estéril. Para aquellos que se consideran amenazados por estos artistas, tal vez valga la pena recordar que ninguno de ellos enfrentó la tortura psicológica y el abuso del poder de la fe, de los que esta civilización fue testigo durante la Santa Inquisición. Después de todo, el pecado es todo mal consciente, ya sea del clero o del pagano.

Personalmente, estoy con Bob Dylan: no sigas a los líderes, cuida tu propio parquímetro. (No sigas a los líderes, cuida tus parquímetros).

Por Marcio Ribeiro