Leia em 6 minutos.
Este texto foi lambido por 304 almas esse mês
O “Arts and Crafts Movement” (Movimento de Artes e Ofícios) foi um movimento de design artístico que floresceu nos países de língua inglesa entre 1880 e 1910. Seus fundamentos filosóficos foram baseados nos escritos de John Ruskin (1819-1900) e nos pré-rafaelitas. O mais franco defensor do Movimento foi o artista e escritor inglês William Morris (1834-1896). O estilo Arts and Crafts influenciou a arquitetura, o design doméstico e as artes decorativas. Sua metodologia preconizava o uso de formas simples e o retorno a um estilo de decoração quase medieval. Filosoficamente, o Movimento defendia a realização da verdade espiritual a partir do uso de artesanato e arte tradicionais. Basicamente, surgiu como uma reação contra o materialismo crasso da era vitoriana e as técnicas de produção em massa “sem alma”e movidas por máquinas da Revolução Industrial. Este estilo artístico alcançou influência máxima durante a Era Eduardiana e depois diminuiu rapidamente como resultado da Primeira Guerra Mundial e com a ascensão do Modernismo.
Pamela Colman Smith foi uma persistente defensora da filosofia e das técnicas artísticas utilizadas pelo Movimento de Artes e Ofícios. A educação que ela recebeu no Pratt Institute of Art em Brooklyn, Nova York, de 1893 a 1897, serviu apenas para reforçar esse sistema de crenças. Seu professor mais influente em Pratt foi Arthur Wesley Dow (1857-1922).
Dow foi inspirado pelo movimento britânico Arts & Crafts, defendido por William Morris; ele também apreciava muito a estética da arte japonesa. O Movimento de Artes e Ofícios enfatizou a qualidade superior dos objetos feitos à mão em oposição aos objetos feitos à máquina. A Dow defendeu a estética Arts & Crafts e nunca considerou o artesanato inferior às artes plásticas. Ele ensinou seus alunos a apreciar a elegância do design que se baseava na natureza, mas nunca a replicava, não colocando precedência sobre nenhuma técnica em particular, desde que o resultado final fosse bonito. Essa abordagem da arte se adequava perfeitamente ao obstinado “Pixie” Smith.
A principal publicação nos Estados Unidos que defendia o estilo Arts and Crafts era um periódico mensal chamado The Craftsman. Esta revista foi publicada por um homem chamado Gustav Stickley (1858-1942). Stickley iniciou a publicação em outubro de 1901 e a usou para promover suas ideias arquitetônicas, que eram consistentes com o estilo Arts and Crafts. A revista foi publicada por quase 16 anos, até dezembro de 1916. A edição de julho de 1908 (veja foto da capa acima) continha um artigo de Pamela Colman Smith intitulado “Deve o estudante de arte pensar?” Considero este artigo tão importante para a compreensão da abordagem de Pamela à arte que cito o artigo na íntegra a seguir:
Deve o Estudante de Arte Pensar?
Por Pamela Colman Smith
Todos vocês, alunos que estão começando seu trabalho em uma Escola de Arte, parem – pensem! Primeiro, certifique-se em sua própria mente para qual fim você deseja trabalhar. Você sabe? Talvez você não tenha decidido. Você vai deixar tudo isso para depois que tiver aprendido a desenhar e sair da escola – como uma ferramenta aleijada – pronto para começar seu trabalho sério e ter um estúdio e tudo mais. Não espere até lá! Coloque em um canto de sua mente uma idéia – como “Eu desejo pintar retratos”. Apenas mantenha essa ideia no canto, e não esqueça que ela está lá. Ligue para ela algumas vezes e revise seu trabalho na frente dela. Assim, estarei trabalhando nos rostos de todas as pessoas que ver – tentando descobrir seu caráter, imaginando como eu deveria pintá-los? Estou tentando mostrar mais de seu caráter do que o aparente superficial? Posso enxergá-los? Não. Mas como vou encontrá-los? Procure.
Ao ver o retrato de uma pessoa histórica, observe o vestido, o tipo de rosto; veja se você pode traçar o personagem no rosto; observe a pose, pois muitas vezes a pose irá datar uma foto tão corretamente quanto o cabelo ou a roupa. Lembre-se da data, se a foto estiver datada; se não, coloque-o em sua mente como a segunda metade do século XIV, ou a primeira metade do século XVIII, e assim por diante. Se você não tiver certeza do período, faça um esboço a lápis e leve-o para alguma biblioteca de referência. Uma vez por semana, faça questão de procurar todas as roupas que você viu (ou talvez deseje desenhar alguma composição). Algum dia, quando você tiver um romance para ilustrar e um personagem para retratar, você se lembrará: “Ah, sim, um vestido do tipo usado por fulano no retrato de beltrano de tal – daquele tipo – ou – não! Um pouco mais animado.”
Vá e veja todas as peças que puder. Pois o palco é uma ótima escola ou deveria ser para o ilustrador, assim como para os demais. Primeiro observe as formas simples de alegria, medo, tristeza; olhe para a posição de todo o corpo, depois para o rosto – mas isso pode vir depois.
Como exercício, desenhe uma composição de medo ou tristeza, ou grande tristeza, simplesmente, não se preocupe com detalhes agora, mas em poucas linhas conte sua história. Em seguida, mostre-o a qualquer um de seus amigos, familiares ou colegas e pergunte se eles podem lhe dizer o que você pretende retratar. Em breve você saberá como fazê-lo contar sua história. Depois de descobrir como contar uma história simples, coloque mais detalhes, o rosto, e indique o vestido. Da próxima vez que você for à peça, olhe para as roupas, chapéu, manto, armadura, cinto, espada, punhal, anéis, botas, jóias. Observe como a capa balança quando a pessoa anda, como as mãos são usadas. Veja se consegue julgar se as roupas estão corretas, ou se estão sendo usadas adequadamente; pois muitas vezes são arruinadas pela maneira como são vestidas. Um ator deve ser capaz de mostrar a época e o modo do tempo na maneira como se veste, bem como na maneira como usa as mãos, a cabeça e as pernas.
Isso pode estar além das marcações, pense um pouco! “De que me serve o palco? Vou ser um ilustrador de livros! O palco é falso, exagerado, irreal”, você diz. Assim como muitas imagens em livros, e os próprios livros. O palco me ensinou quase tudo que sei sobre roupas, ação e gestos pictóricos.
Aprenda com tudo, veja tudo e, acima de tudo, sinta tudo! E faça outras pessoas quando olharem para o seu desenho sentirem isso também!
Faça da sua formação na sua escola de arte o seu abecedário. Você deve aprender a segurar um pincel, misturar tinta, desenhar em perspectiva e estudar anatomia.
Mantenha a mente aberta para todas as coisas. Ouça toda a música que puder, boa música, pois o som e a forma estão mais intimamente ligados do que sabemos.
Pense bem em coisas bonitas, cores, sons, lugares, não pensamentos ruins. Quando você vir um monte de gente suja no meio da multidão, não se lembre apenas da sujeira, mas do grande espírito que está em todos eles, e do poder que eles representam.
Pois através da feiura às vezes se encontra a beleza. Ultimamente tenho visto uma peça, feia, apaixonada, realista, brutal. Durante toda aquela peça, senti que coisas feias podem ser verdadeiras para a natureza, mas certamente é através do mal que percebemos o bem. O cheiro distante do ar da manhã, as montanhas azuis, o sol, as flores de um país em que vivi, pareciam surgir diante de mim – e lá no palco estava uma mulher sentada em uma cadeira, seu corpo rígido, seus olhos rolando, uma imagem maravilhosamente realista de um ataque.
Acredito que na chamada “aula de composição” está o futuro de muitos alunos. (Professor Arthur Dow, da Universidade de Columbia, provou isso, e por sua influência acredito que muitas escolas começaram a ensinar composição depois.)
Mas que o estudante comece jovem e com todas as ajudas necessárias para o alargamento de sua mente. Composição primeiro, e todas as outras regras e rudimentos, na ordem em que vêm. O máximo possível de literatura, música, drama (tudo para ser pensado em relação a essa ideia tão seguramente guardada no canto da mente do aluno), para ser trabalhado do ponto de vista deste conhecimento.
REFERÊNCIAS
1. Elizabeth Cumming, and Wendy Kaplan, Arts & Crafts Movement (1991).
2. Pamela Colman Smith, “Should the Art Student Think?,” The Craftsman, July 1908, pages 417-419.
3. Stuart R. Kaplan, The Artwork and Times of Pamela Colman Smith (2009), page 84.
Fonte: https://pcs2051.tripod.com/arts_and_crafts.htm
Texto sugerido por Vesta N.O.X. – Bárbara
Participe também do financiamento Pamela Smith: a artista que atravessou o tempo da Oficina Palimpsestus
Conheça as vantagens de se juntar à Morte Súbita inc.
